En création au CCNN, Le Bal (titre provisoire) est le nouveau projet de Wanjiru Kamuyu : un rituel immersif et participatif, brassé d’afro-fusion et de danses d’Afrique de l’Est. Dans un élan collectif et transgénérationnel — échauffement partagé, mouvements transmis — ce bal relie clubs, rues et scènes, mêlant héritages chorégraphiques et pulsations d’aujourd’hui. Ici, la danse célèbre le vivant, rassemble les corps, ravive la chaleur humaine. Elle ne fait pas diversion : elle ouvre une voie… Venez l’expérimenter et danser ensemble !

Et si un corps d’homme pouvait porter une mémoire féminine ?
Être traversé par d’autres récits, d’autres visions ?

Youri Terral Perrut explore les états de présence, les récits oubliés et les mémoires en creux. Dans Na Jua , solo performatif inspiré de sa rencontre avec les Na — société matrilinéaire et animiste des montagnes himalayennes — chaque geste devient passage, chaque déplacement, tentative de contact avec l’invisible. Il y convoque un rituel de transformation, à la fois intime et politique. Sur scène, fumée, tulle, lumière et matière composent un paysage en mouvement — un espace d’apparition et de disparition. À travers ce corps habité, traversé, dégenré, Na Jua nous invite à reconsidérer nos héritages, nos rapports au vivant, et à l’autre.

Youri Terral Perrut
Formé aux arts du cirque, au théâtre gestuel puis à la SEAD (Salzburg Experimental Academy of Dance), Youri Terral Perrut explore les écritures chorégraphiques européennes avant d’obtenir une maîtrise en Théâtre-Danse à Locarno en 2013, soutenu par Thierry Baë. À Nantes, il approfondit la composition, l’improvisation et les pratiques somatiques. Il co-crée plusieurs performances pour l’espace public, fonde la Cie Hourra en 2018 et rejoint en 2020 la Cie A.I.M.E. de Julie Nioche, où il poursuit son travail d’interprète.


Dans le cadre du programme StudioD Émergence coordonné par l’Atelier de Paris / CDCN, avec le soutien du mécénat de la Caisse des Dépôts.

Danse des profondeurs

Sandra Sadhardheen sonde la mémoire incarnée avec cette nouvelle création : un duo traversé entre passé et présent. Deux êtres plongent dans leur histoire. Ensemble, iels cheminent à travers souvenirs et sensations, entre le visible et l’invisible. Nourrie de ses racines et par l’énergie du Krump, Sandra Sadhardheen compose une danse brute et viscérale - une partition du corps à l’écoute de ce qui palpite sous la peau.
La danse prend alors la forme d’un rituel intime entre soi et l’autre. À rebours des logiques de performance, Essence ouvre un espace de connexion sensible, entre matière et esprit, entre intériorité et partage – Un lieu d’une mémoire en mouvement.


Sandra Sadhardheen
Chorégraphe et danseuse, Sandra Sadhardheen développe une écriture qui mêle danses traditionnelles, urbaines et contemporaines. Formée au Kalaripayattu (art martial du Kerala) et au Bharatanatyam (danse classique du Tamil Nadu), elle poursuit ses recherches en France et s’investit dans les danses hip-hop et Krump, où elle évolue sous le nom d’Anokha. Interprète pour Joseph Toonga, Gabriel Um ou Grichka Caruge, elle crée en 2022 Urja, un solo poétique empreint de mysticisme et de spiritualité. Sa nouvelle création, Essence, est axée sur l’ancrage et la mémoire.


Dans le cadre du programme StudioD Émergence coordonné par l’Atelier de Paris / CDCN, avec le soutien du mécénat de la Caisse des Dépôts et de Qui Vive ! — Artistes et lieux culturels de la métropole nantaise jouent la solidarité.

Et si habiter le monde, c’était simplement tendre un coin de tissu, suspendre un silence,
inventer un abri — sa maison — avec presque rien ?

Dans ce solo pensé comme une cabane dansée, Marion Uguen convoque l’imaginaire des tout-petits et leur goût du bricolage. Autour d’elle, tissus, ficelles, objets du quotidien transformés en compagnons de jeu et de rêverie. La cabane devient alors un terrain d’expérimentation sensorielle. Le corps explore, assemble, écoute ; il invite à percevoir autrement, à travers une partition de sensations tactiles, sonores, légères.
Dédiée aux tout-petits (18 mois et plus), À [tendre] est aussi pensé pour les plus grands : un temps suspendu, sans autre enjeu que celui d’être là — ensemble — dans la douceur du moment.



Marion Uguen
Formée au CDC de Toulouse puis à Royaumont avec Myriam Gourfink, Marion Uguen est interprète pour le spectacle vivant (P. Rambert, X. Marchand, N. Garçin, C. Laluque) et crée sa première pièce en 2010. Son travail, nourri par la pratique du shiatsu, explore des formes pluridisciplinaires : improvisation (Exercitare), performance-installation (Un jardin à la française), création sonore (Eaux souterraines), ou spectacles (L’enfant phare, La méthode C.O.A.). Lauréate de l’aide à l’écriture Beaumarchais-SACD, elle développe depuis 2021 Les cinq saisons, projet évolutif en lien avec les énergies saisonnières, dont Eaux souterraines (hiver) présenté au festival Trajectoires en 2023 et Point de rencontre (printemps) à l’ONYX en 2024.

Et si l’art pouvait déjouer les lois invisibles qui nous régissent ?

Après sa série MOCHE, Laurent Cebe retrouve Jonathan Poulet et Théo Vincent, pour une fiction chorégraphique où trois danseurs-musiciens livrent une bataille absurde et joyeuse contre le temps.
Portés par un élan collectif, les mouvements deviennent résistance, les instruments des prolongements sensibles, les corps des antennes tendues vers un monde décalé où la musique se danse et le geste devient partition. Dans cette forme hybride, entre danse, musique et présence scénique, ils étirent tous trois l’espace, le façonnent comme une matière instable, en quête d’un autre tempo, d’une liberté à inventer.
Entre musique à voir et corps à entendre, Je-ne-sais-quoi explore ce qui nous échappe.



Laurent Cebe
Chorégraphe, interprète et dessinateur autodidacte, Laurent Cebe explore le geste dansé comme expression singulière : il conçoit le corps dansant comme auteur de son propre mouvement, en relation avec le lieu et le regard. Formé à Coline (Istres) puis au CCN de Rillieux-la-Pape avec Maguy Marin, il développe de 2020 à 2023 un projet de recherche avec le TU‑Nantes baptisé VOLCAN, croisant danse, dessin et arts visuels. Il y crée notamment MOCHE, série de soli portés par la singularité des interprètes, et élabore une œuvre collective pensée hors plateau. Son travail mêle improvisation, dramaturgie de l’espace et virtuosité du sensible. Depuis janvier 2025, il codirige le Nouveau Studio Théâtre à Nantes, lieu dédié à la recherche et à la création.

Laissez-vous happer par la créativité débordante d’un groupe d’ados qui transforme le CCNN en un véritable terrain de jeu, à l’occasion de la restitution publique du stage Les Explorations Dansées. Après une semaine de danse guidée par Lise Fassier, place à une performance pleine d’élan, de surprises et de jeunesse !

Nous sommes des êtres en relation, nous vivons avec les autres. Nous existons à travers leurs regards, comme ils existent à travers le nôtre.
Et pourtant, ce lien fondamental peut se fragiliser à tout âge. L’égalité, la parité, le respect mutuel ne sont jamais des acquis. Avec des interprètes venus d’horizons multiples, et en dialogue avec les équipes pédagogiques, Ambra Senatore imagine une pièce autour de l’altérité, du vivre ensemble, de la possibilité d’une écoute réciproque. Sur scène, les mouvements et les voix circulent. Comme autour d’un feu, enfants et adultes se retrouvent pour raconter, rire, s'étonner, s’indigner, réfléchir — et accueillir le point de vue de l’autre, en essayant de se glisser dans sa peau. On découvrira comment danser cela.

Espace de conversation où la danse se pense au présent et s’imagine au futur, Tendencies convie artistes et public à explorer, avec humour et curiosité, les tendances qui traversent aujourd’hui la danse contemporaine.
Inspiré de la célèbre émission satirique suédoise Spanarna, ce format prend la forme d’un jeu de conversation entre Björn Säfsten, Léa Vinette, Julie Nioche et Aurélien Dougé.
En duo, iels devront identifier une tendance, l’illustrer et en imaginer une suite. Menées par Wanjiru Kamuyu, artiste associée au CCNN, ces joutes spéculatives questionneront ce que nos pratiques disent de notre époque et augurent pour demain.



Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.

Stina Nyberg (Suède)
Dans sa présentation, Stina se tournera vers une pratique de la mémoire afin de partager des idées, des mouvements et des histoires qui ont traversé sa pratique chorégraphique. Une histoire apparaît dans le sillage d’associations, tissant le personnel et le professionnel dans un réseau de personnes et de pratiques.
Parfois, elle danse au sujet du travail, parfois elle travaille simplement sur une danse.

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Alesandra Seutin (Belgique)
Ceci n’est pas Noire

Dans cette présentation dansée et parlée, Alesandra Seutin ouvre les portes de son projet de recherche chorégraphique Ceci n'est pas Noire, une enquête sur la fluidité de l'identité à travers le mouvement, la voix et le son.
Sur scène, le corps, la voix et le son deviennent des témoins et des conteurs, révélant comment les mémoires personnelles et collectives s'entremêlent pour façonner l'identité d'une femme afropéenne. La présentation expose un langage physique et sonore en constante négociation entre l'héritage africain et les réalités européennes, où la parole, le chant et les textures instrumentales retracent des lignées invisibles.
Cette recherche en cours invite le public à faire l'expérience du processus créatif au fur et à mesure qu'il se déroule : une exploration en couches où les instruments traditionnels rencontrent les stations de boucle, les monologues se mêlent au mouvement, et le corps de l'interprète sert à la fois d'archive et d'amplificateur. L'approche sous-jacente consiste à générer une identité vivante et hybride grâce à l'interdépendance du corps, du son et de la mémoire.



*Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.

Après leur première en mai dernier lors de l’édition de Primavera, les 14 jeunes d’Intuitions ont poursuivi leur aventure artistique au festival Les Scènes Vagabondes puis à Débord de Loire.
Après une pause bien méritée pendant les vacances scolaires, Aimé, Anna, Aurore, Chiara, Daphné, Elliot, Juliette, Lou-Anne, Louis, Nell, Salomé et Zoé retrouvent le chemin de la scène en septembre, à l’occasion des Journées du Patrimoine.
Guidé·es par les chorégraphes Lise Fassier et Vincent Blanc, iels partagent une danse vibrante, sensible et joyeusement spontanée… Une pièce où ça circule, ça vibre, ça picote — et surtout, ça se retrouve ensemble.


Dans le cadre des Journées du Patrimoine

À l’occasion des Journées du Patrimoine et Matrimoine, le CCNN ouvre grand ses portes pour vous faire découvrir son univers et son histoire. Installé dans l’ancienne chapelle des Capucins, il vous invite à explorer ses espaces et à plonger dans le quotidien de celles et ceux qui y travaillent. Visites guidées et temps d’échanges vous permettront de découvrir ce lieu de création, de convivialité et de partage. Les visiteurs pourront également découvrir les répétitions des pièces CANTATE / 1 et CANTATE / 2 de Louis Barreau, avant leur présentation en clôture de la journée.

Faire résonner la musique de Bach autrement

Louis Barreau explore dans ses créations le lien intime entre musique et danse. En 2019, il initie une série de courtes pièces autour des cantates de Johann Sebastian Bach. Projet au long cours, ces créations esquissent une tresse chorégraphique qui relie l’œuvre du compositeur allemand à notre présent.

CANTATE / 1, solo interprété par Marion David, ouvre ce dialogue avec Bach. Le corps devient matière vibrante et sensible qui enveloppe et développe les points, les couleurs et les intensités de la musique en lui et hors de lui.

Avec CANTATE / 2, Louis Barreau et Daniel Cantero poursuivent cette conversation dansée. Unissons, contrepoints et variations tissent un duo rigoureux et vivant — où la musique prend corps, et le temps se danse.


Louis Barreau
Chorégraphe et danseur, Louis Barreau développe depuis 2014 un travail centré sur le dialogue entre composition chorégraphique et musique. Formé en danse, musique et théâtre au conservatoire de La Roche-sur-Yon, puis au Trinity Laban Conservatoire à Londres, il y obtient le prix d’excellence en composition chorégraphique. Il fonde la compagnie danse louis barreau à Nantes en 2014 et finalise un master de recherche en danse à l’université Paris 8 en 2016. Son écriture explore la structure, l’abstraction et le rythme, articulant rigueur formelle et vitalité du mouvement dans l’espace-temps.


Dans le cadre de Qui Vive !
— Artistes et lieux culturels de la métropole nantaise jouent la solidarité.

Danses partagées et solidaires

Venez faire vibrer le studio du CCNN lors d’un bal populaire festif et ouvert à toutes et tous, en partenariat avec l’association EntraideDanse. Que vous soyez danseur·euse débutant·e ou confirmé·e, laissez-vous porter par l’énergie du collectif et le plaisir de danser ensemble.
Au son des danses de salon — tango, cha-cha, paso, rock… — partagez un moment rythmé, chaleureux et accessible à tous. Une après-midi pour le plaisir des pas, le goût du partage… et l’esprit solidaire ! Une partie des recettes de cette après-midi sera reversée à une association humanitaire soutenue par EntraideDanse.


En partenariat avec l'association EntraideDanse.

Espace de conversation où la danse se pense au présent et s’imagine au futur, Tendencies convie artistes et public à explorer, avec humour et curiosité, les tendances qui traversent aujourd’hui la danse contemporaine.
Inspiré de la célèbre émission satirique suédoise Spanarna, ce format prend la forme d’un jeu de conversation entre Björn Säfsten, Léa Vinette, Julie Nioche et Aurélien Dougé.
En duo, iels devront identifier une tendance, l’illustrer et en imaginer une suite. Menées par Wanjiru Kamuyu, artiste associée au CCNN, ces joutes spéculatives questionneront ce que nos pratiques disent de notre époque et augurent pour demain.



Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.

Stina Nyberg (Suède)
Dans sa présentation, Stina se tournera vers une pratique de la mémoire afin de partager des idées, des mouvements et des histoires qui ont traversé sa pratique chorégraphique. Une histoire apparaît dans le sillage d’associations, tissant le personnel et le professionnel dans un réseau de personnes et de pratiques.
Parfois, elle danse au sujet du travail, parfois elle travaille simplement sur une danse.

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Alesandra Seutin (Belgique)
Ceci n’est pas Noire

Dans cette présentation dansée et parlée, Alesandra Seutin ouvre les portes de son projet de recherche chorégraphique Ceci n'est pas Noire, une enquête sur la fluidité de l'identité à travers le mouvement, la voix et le son.
Sur scène, le corps, la voix et le son deviennent des témoins et des conteurs, révélant comment les mémoires personnelles et collectives s'entremêlent pour façonner l'identité d'une femme afropéenne. La présentation expose un langage physique et sonore en constante négociation entre l'héritage africain et les réalités européennes, où la parole, le chant et les textures instrumentales retracent des lignées invisibles.
Cette recherche en cours invite le public à faire l'expérience du processus créatif au fur et à mesure qu'il se déroule : une exploration en couches où les instruments traditionnels rencontrent les stations de boucle, les monologues se mêlent au mouvement, et le corps de l'interprète sert à la fois d'archive et d'amplificateur. L'approche sous-jacente consiste à générer une identité vivante et hybride grâce à l'interdépendance du corps, du son et de la mémoire.



*Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.

SHANGWE signifie « joie » en kiswahili (langue bantoue répandue en Afrique de l’Est)

Expérience immersive et participatif brassée de rythmes contemporains afro-fusion, SHANGWE établit une connexion collective qui défie la déshumanisation du monde. Ici, la danse ne fait pas diversion : elle ouvre une voie.

Face à l’assèchement des relations humaines par l’invasion du « tout numérique », Wanjiru Kamuyu lance une invitation irrésistible : danser pour se rassembler. Telle une utopie chorégraphique transgénérationnelle, SHANGWE s’ancre autant dans l’héritage des danses de sa région d’origine que dans les gestes et pulsations qui habitent les fêtes d’aujourd’hui, enflammant les clubs, les rues et les scènes à travers le monde : Kinyatrap, Afrobeat, Kwaito, Amapiano, Afro-House, Kwassa Kwassa, Soukous... En connivence avec de chorégraphes du Kenya, de Tanzanie et du Burundi, respectivement à l’origine d’une partition chorégraphique et d’apports musicaux, elle fabrique un rituel partagé, depuis l’échauffement, véritable prélude de l’événement, jusqu’à la formation en live des différents groupes de danse. Pensé comme une expérience immersive, SHANGWE attise la chaleur humaine par la présence d’une maîtresse de cérémonie, d’interprètes aguerris et de complices formés sur le territoire. En son cœur palpitent des voix de femmes comme autant d’échos d’un rêve de joie de vivre. C'est une révérence, inclusive et résiliente, à une myriade de petites histoires à la saveur universelle. Un trait d’union entre les espaces et les corps, les rythmes, les timbres et les signes de tous horizons.

Avec cette nouvelle création, Wanjiru Kamuyu continue de tisser des récits multiples et de donner voix aux corps oubliés, réaffirmant par le mouvement que la danse est un espace de célébration commune du vivant, une plongée en plaisir pur de bouger ensemble, une communauté énergétique.

Mélanie Drouère

Et si la nuit révélait plus qu’elle ne dissimule ?

Nathan Arnaud réunit, dans Nuit·s, cinq interprètes qui explorent l’obscurité comme un monde intérieur — un lieu aux perceptions décuplées fait d’ombres et d’échos.
À partir de son propre rapport à l’espace, celui d’un artiste malvoyant, il redéfinit le plateau comme un terrain d’écoute, de toucher, de sensation. La scène devient alors un lieu immersif, où les corps se déploient dans une fine écoute du silence, du mouvement et de l'autre. Dans cette expérience à partager, Nathan Arnaud nous invite à voir autrement — à nous laisser guider par les battements du silence, dans un clair-obscur dansé où chaque mouvement éclaire l’invisible et nous relie au foisonnement sensible de la vie nocturne.



Nathan Arnaud
Nathan Arnaud est chorégraphe et danseur, déficient visuel. Ses recherches mettent en jeu sa propre expérience du monde et l’amènent à penser une danse sans les yeux. Du corps soclé à sa spatialisation, il s'appuie sur les déplacements du quotidien. La lumière, en contraste et en clair-obscur, est un point central de son écriture, dessinant les contours, les pleins, les vides. Elle participe à la dramaturgie des espaces et souligne le rapport aux distances, effaçant les frontières entre le plateau et les spectateurs.
Fondateur de Murmuration, Nathan Arnaud affirme sa posture de chorégraphe par le solo Sens Caché(s) en 2019, le diptyque en duo Socculus / Soccus en 2022 et Nuit·s en 2024, sa première pièce de groupe. Lors de laboratoires, il met en partage ses recherches avec d’autres chorégraphes concernés par le handicap visuel. Il intègre la formation Édition Spéciale #6 au CND à Pantin et participe en 2025 au campus chorégraphique à l'Abbaye de Royaumont.


Dans le cadre de Qui Vive !
— Artistes et lieux culturels de la métropole nantaise jouent la solidarité.

Dans son solo, Ambra Senatore nous invite à un voyage, où danse et voix se mêlent dans des récits intimes et universels. Seule en scène, elle porte des histoires qui traversent son corps — elles se rencontrent, se frôlent et s’entrelacent. Entre murmures et mouvements, des récits proches résonnent avec d’autres, plus lointains, tissant un lien subtil entre le moi et l’autre, entre l’individu et la communauté.
À travers chaque mouvement, la chorégraphe donne corps à des fragments de souvenirs, de sensations et d’émotions qui surgissent comme des échos de vies partagées. Sa danse, à la fois épurée et expressive, nous reconnecte à nous-mêmes et établit des ponts invisibles entre nos souvenirs personnels et ceux qui prennent vie sur scène. Chaque geste, chaque transition, chaque mot nous rappelle que nos corps sont porteurs d’expériences et de mémoires – objets, mélodies et paroles s’animent et prennent vie sous nos yeux. Au fil de la pièce, le temps semble se suspendre - à nous de nous retrouver, de revivre ou simplement de ressentir. Ambra Senatore livre ici une danse à l’émotion authentique et brute, une danse qui sonde la condition humaine dans toute sa complexité et sa richesse.

Les recettes de la billetterie seront intégralement reversées à une association œuvrant pour les droits des femmes

Ambra Senatore vous convie à sa grande Festa.

Un ultime rendez-vous festif avec vous, public, pour se retrouver, manger, danser et se dire au revoir, à sa manière.
De 19h à 23h le CCNN devient un espace de fête et de partage. Pour Ambra, partager un repas est une manière simple de créer du lien : chacun·e est invité·e à venir avec son pique-nique, à s’installer, à échanger.
Au fil de la soirée, des temps de danse, des discussions spontanées et de petites surprises viendront ponctuer ce moment libre, chaleureux, informel.
On vous attend nombreux•ses pour clore ensemble ses dix années de direction dans la joie, l’allégresse, dans l’humain, le mouvement, le lien.

On ne danse jamais seul·e. Qu’un corps se mette en mouvement, et c’est toute une machinerie de relations, tout un fond imaginaire qui se lève. Dans Un monde réel, Rémy Héritier et Bryan Campbell agissent en co-présence à travers une gestuelle partagée, droite, lisible, faite de phrases brèves et suspendues. Pensé comme une caisse de résonance des mouvements enfouis en nous, le duo explore les origines du geste, ses tensions, son histoire. La musique d’Éric Yvelin enveloppe d’une étoffe sourde cette poétique concrète, tandis que les images de Ludovic Rivière, rappellent « l’universel reportage » auquel chacun se soumet désormais via son téléphone. Un spectacle qui tend le miroir d’un monde réel, celui « qui continue d’exister même lorsque l’on cesse d’y croire »


Rémy Héritier
Chorégraphe et danseur, Rély Héritier crée depuis 2004 plus d’une dizaine de pièces qui, en prolongeant les contours de l’art chorégraphique vers l’intertextualité ou le document, convoquent de nouvelles poétiques du geste. Il privilégie tant les processus au long cours que les interventions sur des territoires donnés pour produire des modes d’adresse relevant aussi bien du spectacle que de l’exposition.
Lauréat du programme « Hors les Murs » de l’Institut français en 2013 sur les sites américains du Land Art, il développe en parallèle son activité de chercheur à La Manufacture (Lausanne) avec Une danse ancienne (2019-23) : Figure, que donne à voir une danse ? (Mathieu Bouvier, Loïc Touzé, 2016-17) : ou Composition (Yvane Chapuis, Myriam Gourfink, Julie Perrin, 2016-19) dont l’ouvrage Composer en danse – Un vocabulaire des opérations et des pratiques est le résultat. Depuis 1999, il est régulièrement interprète pour Boris Charmatz, Laurent Chétouane, DD Dorvillier, Philipp Gehmacher, Jennifer Lacey, Mathilde Monnier, Laurent Pichaud, et Loïc Touzé.

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Un partenariat Le Grand Huit et CCNN

Trémolo réunit deux danseuses et leurs radeaux pour interroger la figure de Méduse, femme dont le regard pétrifie quiconque le croise. Devenue celle qu’on ne regarde pas, elle incarne une figure fétichisée, porteuse de honte et d’une puissance jugée dangereuse. Le duo explore la persistance des croyances attachées aux mythes, malgré leur caractère fictionnel : que disent encore aujourd’hui ces images du monstrueux, de la peur, du féminin silencié ? Entre équilibre de la terreur et poésie des corps, les interprètes sondent ce qu’il reste de la malédiction : une tête tranchée, devenue amulette, symbole protecteur contre le mauvais œil.


Émilie Philippot
Émilie Philippot a commencé son parcours aux Beaux-Arts de Nantes, où parallèlement, les disciplines pratiquées telles que l’Aïkido, le yoga Ashtanga ont influencées son parcours ; après avoir travaillé pour des artistes plasticiens (Djamel Tatah, Stéphane Couturier, Mathilde Denize) et en scénographie, elle s’est ensuite dirigée vers les arts performatifs en se formant à Forum Dança, PEPCC à Lisbonne : Etudes, Recherches et Création Chorégraphique. Elle y rencontre Vitor Roriz et Sofia Dias, Vera Mantero, Loïc Touzé, Marlène Monteiro Freitas, pour les plus influents. Aujourd'hui, elle collabore avec des artistes plasticiens, des arts vivants et est interprète pour différentes compagnies (Miguel Perreira, Collectif Rosa, cie Uncanny, cie Méroux). HEIM, en allemand, c’est le foyer ; c'est la racine de nombreux mots qui disent les multiples façons d'habiter le monde : Unheimlich, étrange, Geheimnis, le secret, Heimweh, le mal du pays... La question de la dignité fait lieu d'explorations. Les créations s’adaptent en tout lieu : un théâtre, un musée, un champ, un parvis. Le projet Trémolo est pensé comme une continuation du solo vi(n)cere inspiré des cariatides et des détours que l'on convoque pour sortir l'immobilité.

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Un partenariat Le Grand Huit et CCNN